Découvrir les EFE autrement

À l’issue du séminaire des Écoles françaises à l’étranger « Quand la recherche en sciences humaines et sociales rencontre la création artistique » (Casa de Velázquez, 28-30 septembre 2023), Anne-Madeleine Goulet, directrice de recherche au CNRS (Centre d’études supérieures de la Renaissance de Tours, UMR 7323), revient sur son expérience de collaboration avec l’École française de Rome, d’abord au sein du projet ANR-DFG MUSICI (2010-2012), puis du projet PerformArt, financé par l’European Research Council entre 2016 et 2022.

Aux musicologues comme aux chercheurs en études théâtrales, le fait de travailler sur des objets de recherche qui induisent une expérience sensible impose de réfléchir aux relations mutuelles de la science et des arts du spectacle. On peut se servir de l’interprétation artistique et de l’émotion qu’elle suscite pour faire connaître des résultats de la recherche. L’organisation d’un concert ou d’un spectacle en clôture d’une manifestation scientifique, l’illustration musicale ou théâtrale d’une conférence ou encore l’enregistrement d’un disque comptent parmi les voies possibles de la vulgarisation de la recherche.

Le rôle de la création artistique peut en outre aller au-delà de la diffusion de connaissances et constituer une voie de production du savoir scientifique. Dans ce cas, la création nourrit la recherche, elle la sert, et vice-versa. On peut alors parler de recherche-création^[1]. Les lignes qui suivent visent à partager une expérience de plus d’une vingtaine d’années, au cours desquelles j’ai pu mettre à l’épreuve ces deux formes possibles de collaboration entre chercheurs et artistes.

De l’écrit à l’action

Mes recherches portent sur le théâtre, la musique et la danse dans les milieux aristocratiques parisiens, versaillais et romains au XVII^e et au début du XVIII^e siècle, avec, plus récemment, une ouverture sur l’Espagne sous Philippe V. Dans le monde académique européen, ces arts sont traditionnellement étudiés de manière séparée. Comme l’univers culturel de l’Ancien Régime reposait sur leur co-existence, j’ai pris le parti de les appréhender ensemble.

Lorsque j’étais jeune étudiante, ce sont les questions que m’ont posées des acteurs majeurs du monde du théâtre et de la musique baroques, qui m’ont poussée à consacrer une thèse aux relations entre musique et sociabilité dans la France du XVII^e siècle. Ce travail s’est accompagné d’une investigation sur les pratiques d’interprétation, englobant l’analyse de l’écrit ainsi que sa mise en voix et en geste. J’ai ainsi monté des programmes de concert autour du genre de l’air sérieux et écrit puis mis en scène plusieurs scénarios de spectacles qui faisaient intervenir déclamation, chant, danse et musique instrumentale. Il s’agissait d’une part d’entendre et de faire entendre le répertoire sur lequel portait ma recherche et dont la discographie était alors pratiquement inexistante et, d’autre part, de tester concrètement mes hypothèses de recherche en les soumettant à l’épreuve de la production scénique.

Un exemple suffira : en 2003 j’ai monté à l’Arsenal de Metz avec l’ensemble de musique ancienne Le Concert Lorrain, dirigé par Anne-Catherine Bucher, un spectacle de théâtre et de musique intitulé Leçons de séduction. Il rassemblait les solistes Françoise Masset et Marco Horvat, les comédiens Louise Moaty et Benjamin Lazar ainsi qu’un effectif de cinq instrumentistes. Il s’agissait de mettre à l’épreuve de la scène l’hypothèse selon laquelle les airs étaient autrefois chantés au milieu de conversations réelles, permettant ainsi de dialoguer, d’argumenter, de séduire, ou plus globalement, de divertir^[2]. J’avais donc écrit un scénario, d’abord en puisant dans un traité de conversation publié en 1662 par René Bary, historiographe royal, L’Esprit de cour ou cent conversations en dialogue, puis en insérant dans les dialogues des airs empruntés aux Recueils d’airs sérieux et à boire publiés par Ballard.

Cette expérience de recherche-création fut concluante puisque les airs chantés, placés dans un contexte de conversation, livraient ainsi tout leur sel et que le travail d’adaptation de la musique mené par Anne-Catherine Bucher s’inscrivait parfaitement dans l’esprit des salons de l’époque, où l’on s’autorisait à adapter ou modifier telle ou telle œuvre pour pouvoir la chanter.

C’est au cours de ces expériences, qui nécessitaient d’articuler de façon dynamique recherche et pratique, que j’ai pris conscience de l’importance des regards non-universitaires, et notamment de celui des artistes. Pour pouvoir monter ces spectacles et disposer d’une structure administrative adéquate, j’ai été amenée à créer une compagnie de théâtre, La Ruelle d’Arthénice, qui a été en activité de 2001 à 2006. Cette expérience d’administration et de gestion des ressources humaines m’a été très utile par la suite pour le montage de projets scientifiques.

Concerts dans des lieux patrimoniaux

En 2009, j’ai bénéficié, en tant que chercheuse au CNRS, d’une mise à disposition auprès de l’École française de Rome (EFR), d’abord pour un an renouvelable, mais l’obtention fin 2009 d’un projet ANR-DFG, intitulé MUSICI et monté à l’EFR avec une collègue de l’Institut historique allemand de Rome, m’a permis de prolonger mon séjour. Il s’agissait de comprendre comment l’accueil des musiciens étrangers venus à Venise, à Rome et à Naples entre 1650 et 1750, s’inscrivait dans la vie musicale italienne, marquée par une professionnalisation progressive des musiciens, une politisation croissante de l’usage de la musique et l’émergence de styles musicaux nationaux^[3]. Au cours de ce projet, j’ai recouru à deux reprises à la forme du concert pour diffuser les résultats de nos recherches.

Les deux journées d’étude qui ont ouvert le projet et qui étaient destinées à faire un bilan méthodologique sur l’état de la recherche sur la musique à Rome au XVII^e et au XVIII^e siècle^[4], se sont accompagnées d’un concert de Vêpres de Pietro Paolo Bencini, à Saint-Louis-des-Français, qui a ouvert le festival de musique baroque des cinq églises françaises de Rome, Le cinque perle del Barocco. La musique de Bencini fut un point de référence pour plusieurs générations de compositeurs. Pour offrir un contexte liturgique cohérent, qui permette d’apprécier chaque pièce dans son cadre d’origine, le concert proposait un office complet de Vêpres de la Vierge à la Cappella Giulia. Trente-neuf chanteurs et sept symphonistes de la Maîtrise du Centre de Musique baroque de Versailles avaient été sollicités.

Le projet MUSICI a donné lieu à une seconde expérience artistique. Le colloque final du projet, qui eut lieu à l’Institut historique allemand de Rome en janvier 2012, s’est en effet achevé avec un concert au palais Farnèse, donné par l’ensemble Faenza, qui avait réuni six interprètes autour de la musique de Bellerofonte Castaldi, un musicien originaire de Modène, luthiste, chanteur, poète et aventurier, qui s’était retrouvé à Rome suite à une série d’aventures rocambolesques, et qui a laissé une autobiographie pour l’instant restée manuscrite, laquelle constitue un document unique pour un musicien de l’époque. Le concert reposait sur une co-production entre l’EFR, l’Institut historique allemand de Rome et l’Ambassade de France à Rome.

Des archives au concert

De 2016 à 2022, j’ai dirigé le projet PerformArt, financé par l’ERC et hébergé au CNRS en partenariat étroit avec l’EFR. C’est un programme de recherche qui a porté sur les arts du spectacle à Rome entre 1644 et 1740 du point de vue de l’histoire matérielle, sociale, économique et politique. Il a nécessité la mise en place d’une équipe internationale et interdisciplinaire d’une trentaine de personnes (voir ci-dessous), que j’ai coordonnée avec Michela Berti, et qui a mené l’enquête à partir des archives d’une douzaine de familles romaines, d’archives notariales et de quelques archives de collèges. 

Un premier ouvrage, centré sur le concept de performance, est paru aux Publications de l’EFR en 2021. En analysant, sous l’angle de la performance, l’événement spectaculaire dans toutes ses dimensions (mécénat, financement, livrets, partitions, enjeux socio-politiques, collaborations artistiques, exécution singulière ou réitérée, réception par le public, mémorialisation), il devient possible de replacer les très nombreux spectacles organisés par les familles de la haute aristocratie dans le cadre d’une histoire sociale et culturelle de l’époque.

Pour parvenir à une compréhension fine des desseins formés par les familles lorsqu’elles organisaient des spectacles, nous avons changé la focale d’observation et formulé collectivement l’hypothèse selon laquelle la notion de “magnificence”, centrale pour les arts visuels, pouvait aussi être opératoire pour l’étude du théâtre, de la musique et de la danse. Comme résultat de ces recherches, nous venons de terminer un second ouvrage, en anglais, dédié au concept de magnificence aristocratique, qui paraîtra chez Brepols courant 2024, dans la collection « Epitome musical ».

Depuis mars 2023, notre base de données est en accès libre sur Huma-Num et met à disposition de la communauté scientifique et du grand public l’ensemble de nos découvertes (plus de 6 000 transcriptions de documents d’archives, et quelque 2 500 événements-spectacles répertoriés et décrits). Elle s’accompagne d’un thésaurus de près de 2 300 entrées.

L’enquête de grande envergure qui a été menée dans les archives et les bibliothèques romaines a permis de retrouver des œuvres, notamment des partitions de musique, susceptibles d’intéresser des artistes aujourd’hui. Le projet a pu s’articuler ainsi avec des pratiques contemporaines de la création, dans le domaine musical mais aussi dans celui de la danse et de la peinture. Il s’est ouvert avec un concert au palais Farnèse, le 5 décembre 2016, donné par l’ensemble Faenza.

Mes recherches personnelles portaient alors sur les arts du spectacle dans l’entourage de Flavio Orsini, un prince romain qui, en 1675, épousa en secondes noces Marie-Anne de La Trémoille, qui passa à la postérité sous le nom de Princesse des Ursins. En enquêtant sur l’entourage du prince dans les années qui précédèrent son remariage, j’ai eu la chance de découvrir une lettre que lui avait adressée Ercole Bernabei, qui fut l’un des grands maîtres de musique à Rome dans la seconde moitié du XVII^e siècle. Cet échange épistolaire m’a conduite jusqu’au recueil intitulé Concerto madrigalesco, qui fut imprimé à Rome en 1669 et dont j’ai pu consulter un exemplaire à la Bibliothèque nationale de France – je reviendrai plus bas sur cette œuvre. Frédéric Michel, professeur de basse continue aux Conservatoires à rayonnement régional (CRR) de Paris et de Boulogne-Billancourt, a réuni les parties séparées du recueil et réalisé une partition d’ensemble, qui a été utilisée par l’ensemble Faenza pour le concert de 2016.

Ce concert a inspiré un tableau de Philippe Casanova, un peintre français installé à Rome et passionné de décors baroques, religieux et profanes (voir ci-dessus). Après cette expérience, j’ai par ailleurs entamé un dialogue avec Philippe Casanova, en apportant des éléments de réponse aux questions qu’il se pose pour la réalisation de décors de concerts mis en espace et de pièces de théâtre dans la Rome du XVII^e siècle.

En octobre 2019, une journée de notre colloque final s’est déroulée au palais des marquis de Fronteira, à Lisbonne (voir photo ci-dessous).

Au terme d’une journée de réunion scientifique, le marquis avait accepté d’ouvrir son salon pour un concert d’airs de Scarlatti, de Pasquini, de Lulier et de Bononcini, qui s’intitulait De Roma a Lisboa: música nos palácios e academias entre os séculos XVII e XVIII. Le programme entrait en résonance avec les recherches de plusieurs chercheuses de PerformArt, en particulier Cristina Fernandes et Teresa Chirico, qui étudient les échanges et les transferts artistiques entre Rome et la péninsule ibérique.

Du concert au disque

Deux disques ont pu voir le jour dans le cadre de PerformArt. En avril 2022, la Capella Tiberina, dirigée par Alexandra Nigito, membre du projet, a enregistré, sur un clavecin construit par Mattia de Gand à Rome vers 1685, qui venait d’être restauré et qui est conservé au Museo Santa Caterina de Trévise, un programme de cantates pour voix de basse de Bernardo Pasquini (L’Ombra di Solimano, Brilliant Classics, 2022).

Ce disque constitue une plongée dans l’univers d’un prince, Giovanni Battista Borghese (1639-1717), convaincu que la musique donnait à voir la grandeur de son statut tout autant que la délicatesse et le raffinement de son goût. À son nom est resté attaché celui de Bernardo Pasquini (1637-1710), qui comptait parmi les familiers du prince, et qui fut aussi l’un des grands maîtres de musique de son temps. Ces cantates pour voix de basse sont un témoignage précieux des pratiques de sociabilité singulières qui caractérisaient les palais urbains et les villas de villégiature de la noblesse romaine de l’époque. En janvier 2023, la revue Diapason a décerné cinq Diapasons à notre disque.

En février 2023, l’ensemble Faenza a enregistré l’intégralité du Concerto madrigalesco a tre voci diverse d’Ercole Bernabei. L’équipe d’interprètes de 2016 a été renouvelée et un nouveau travail de création a visé à enrichir et diversifier le continuo, où résonnent clavecin, orgue, basse de viole, lirone, archiluth, théorbe et guitare baroque. Certains madrigaux sont accompagnés par un colla parte de violes – les instruments doublent les voix –, en plein accord avec les pratiques d’interprétation de l’époque. Au cours du projet PerformArt, la découverte de nouveaux documents au sein des archives de la famille Orsini a permis de montrer combien Bernabei était profondément intégré dans la vie musicale romaine, de mieux dégager le rôle de pédagogue de premier plan qu’il a joué dans plusieurs familles de la noblesse de l’époque et d’approfondir les connaissances sur la musique à la cour des Orsini, qu’il s’agît des instruments que leur palais abritait ou de la collection exceptionnelle de livrets et de partitions que leur bibliothèque contenait.

Pour présenter le disque au public et exposer de manière vivante les principes de notre démarche, la réalisation de plusieurs vidéos a été confiée à Sylvain Trousselle, qu’il s’agisse de teasers ou bien d’interviews :

Le disque, qui a fait l’objet d’une double page d’annonce en ouverture du numéro d’octobre 2022 de Classica, a donné lieu à plusieurs émissions de radio sur France Musique, Radio Vaticana et Radio 3. Un concert de sortie, qui a rassemblé quelque deux cents cinquante personnes, a eu lieu le 15 avril 2023 à la Christuskirche de Paris, rue Blanche.

Des archives à la pratique de la danse

La rédaction d’une thèse en histoire de la danse était prévue dès l’origine du projet PerformArt. Ce doctorat, susceptible d’avoir des retombées très concrètes sur la manière de danser en fonction des différents styles nationaux, a été confié à partir de 2018 à Gloria Giordano, à la fois artiste, pédagogue et chercheuse. Elle a décidé de mener l’enquête dans les archives historiques du Séminaire Romain, une institution de formation où la plupart des grandes familles romaines de l’époque envoyait leurs rejetons. Les sources qui portent sur les pratiques chorégraphiques au sein de cette institution sont maigres et fragmentaires. Les archives qui les contiennent sont elles-mêmes en grande partie aujourd’hui dispersées dans divers fonds et bibliothèques de Rome qui n’en facilitent pas toujours la consultation. La richesse des informations que Gloria Giordano est parvenue à patiemment rassembler lui a permis d’approcher au plus près de la pratique de la danse tout au long d’une centaine d’années sur la scène du collège.

Intitulé Danser dans la Rome aristocratique du XVII^e et du début du XVIII^e siècle : techniques et styles à partir de la documentation du Séminaire Romain et des archives familiales, ce doctorat a été soutenu sous ma direction en juin 2022 et en co-direction avec le spécialiste de danse historique en Italie, Alessandro Pontremoli, professeur à l’université de Turin. Gloria Giordano a pu intégrer le résultat de ses recherches dans son enseignement à l’Accademia Nazionale di Danza de Rome, comme l’atteste par exemple la présentation qu’elle a donnée, dès 2019, lors du colloque « Dance AND Research. Percorsi di ricerca nell’arte coreutica e performativa » organisé dans cette institution, et dont la photo ci-dessus donne un aperçu.

Une recherche en mouvement

Au terme de l’expérience acquise au fil des vingt dernières années, j’aimerais partager trois réflexions, qui pourraient donner lieu à des développements ultérieurs. La première, très large, est que les chercheurs qui étudient les spectacles doivent réfléchir à la manière d’ancrer davantage dans l’univers des pratiques artistiques une démarche vivante et résolument scientifique, fondée sur la valorisation de patrimoines exceptionnels tels que le théâtre, la musique et la danse baroques.

La deuxième est que le chercheur a tout à gagner à l’échange avec l’artiste. Tester une hypothèse scientifique en la traduisant dans le monde artistique lui ouvre toujours de nouvelles perspectives. Lorsque les données scientifiques viennent féconder la pratique artistique, on invitera le chercheur à veiller à ce que l’échange respecte la temporalité propre à la création. Prenons l’exemple de la prononciation baroque qui, depuis les travaux pionniers de Dene Barnett, d’Eugène Green, de Philippe Lénaël et de Michel Verschaeve, intéresse un nombre toujours plus grand d’artistes : avant d’obtenir une élocution à l’ancienne qui soit d’un parfait naturel, le comédien comme le chanteur auront besoin de beaucoup de pratique pour assimiler les principes de la prononciation ancienne, pour l’intégrer dans leur corps. Si, d’aventure, ils viennent à apprendre qu’une donnée issue de la recherche était fausse, ils ne pourront pas l’éliminer de leur savoir-faire d’un revers de la main et devront travailler longuement pour s’en débarrasser.

Le chercheur doit enfin éviter de figer trop rapidement les données de la connaissance, tout en respectant les exigences de la production artistique. Reprenons l’exemple du spectacle Leçons de séduction, que nous évoquions au début de cette présentation. Lors des répétitions avec Louise Moaty et Benjamin Lazar, nous nous sommes interrogés sur la manière d’adapter la déclamation propre au théâtre, dont ils étaient familiers, à des scènes de conversation familière, typiques des salons du Paris du XVII^e siècle. Alors que le spectacle devait avoir lieu trois jours plus tard, les comédiens m’avaient brusquement interrompue, en me rappelant l’imminence de la représentation et en me demandant ce qu’ils devaient faire. Ils avaient parfaitement raison : la situation imposait de faire des choix. Pourtant, au regard de la recherche, la voie était dangereuse puisque nous ne disposions pas encore de toutes les informations nécessaires pour effectuer des choix historiquement informés. Certains partis furent donc pris de manière pragmatique, sans que cela ne nuise à la portée de l’expérience sur les pratiques musicales de l’époque, qu’il s’agît de l’insertion de la musique dans la conversation parlée ou de l’utilisation des airs en dehors de leur contexte originel. La démarche ouvrait des perspectives passionnantes sur une sociabilité et un format de spectacles tout à fait différents de ceux du répertoire classique.

Cette contextualisation des œuvres musicales et théâtrales du XVII^e siècle et le travail d’écriture qu’elle suppose ne sont pas très répandus dans le monde artistique d’aujourd’hui, mais ils me paraissent importants. Certains artistes partagent ce point de vue, tel l’ensemble Faenza, qui est parti du constat que le formalisme du concert traditionnel, hérité du XIX^e siècle, n’est pas adapté à des répertoires conçus au sein de cercles de convivialité dont nous avons perdu la pratique. Pour redonner aux musiques de l’intimité le pouvoir de toucher, il a donc mis en place des conditions de jeu interactives, qui rompent le rapport habituel entre la scène et la salle. L’échange permanent avec ces artistes a engendré un compagnonnage précieux, fondé sur la recherche de textes, de musiques et de pratiques qui méritent d’être redécouverts.

Anne-Madeleine Goulet, Directrice de recherche au CNRS (Centre d’études supérieures de la Renaissance de Tours,UMR 7323).
Principal Investigator Programme de recherche PERFORMART Horizon 2020 ERC-COG.

^{Le contenu de ce billet et les illustrations sont mis à disposition sous licence CC BY-SA}.

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^{1. Voir les deux numéros successifs que la revue Culture et Recherche du ministère de la Culture a consacrés aux enjeux spécifiques des arts de la scène en matière de recherche : Scènes de recherche
(n° 135, printemps-été 2017) et Recherches en  scène (n° 136, automne-hiver 2017).}      

^{2. Cette hypothèse avait été avancée par une chercheuse américaine, Catherine Gordon-Seifert, dans son étude « “La Réplique galante” : Sébastien de Brossard’s airs as Conversations », publiée dans l’ouvrage édité par Jean Duron, Sébastien de Brossard musicien (Versailles, Éditions du Centre de musique baroque de Versailles, Paris, Klincksieck, 1998, p. 181-201).}      

^{3. Les principaux résultats du projet sont exposés dans le volume Europäische Musiker in Venedig, Rom und Neapel (1650-1750), co-édité avec Gesa zur Nieden dans la collection « Analecta musicologica » (n° 52) du département d’histoire de la musique de l’Institut historique allemand de Rome.}

^{4. Les actes de ces journées ont été réunis dans un ouvrage, co-édité en 2012 avec Caroline Giron-Panel aux Publications de l’EFR : La Musique à Rome au XVIIe siècle. Études et perspectives de recherche.}

La maquette de la Cenatio Rotunda, la salle à manger tournante du palais de Néron, exposée à Francfort.

Jusqu’au 21 janvier 2024, le Liebieghaus Skulpturensammlung de Francfort accueille une exposition consacrée au lien entre art et technologie : Maschinenraum der Götter (Salle des machines des Dieux). Dans ce cadre exceptionnel est exposée une reconstitution de la Cenatio Rotunda, parmi 97 pièces provenant de collections de musées internationaux tels que le Musée archéologique national de Naples, le Metropolitan Museum of Art de New York, les Musei Capitolini de Rome, le Kunsthistorisches Museum de Vienne.

Pour leur participation à cette exposition, l’École française de Rome et le Centre interdépartemental de recherche « DigiLab » de la Sapienza Università di Roma ont ainsi entrepris de redonner vie à un complexe monumental extraordinaire : la Cenatio Rotunda, la salle à manger tournante du palais de Néron. L’occasion ici de revenir sur les recherches menées à Rome et la mise en valeur des résultats exposés au musée.

Les fouilles à Rome
La Vigna Barberini sur le Mont Palatin.
La Vigna Barberini, du nom de la famille qui fut longtemps propriétaire du terrain, est une ample terrasse qui occupe l’angle nord-est du Palatin et domine la Vallée du Colisée. Les recherches, commencées en 1985 dans le cadre d’un programme associant l’École française de Rome à la Soprintendenza Archeologica, ont livré d’abondants témoignages de la longue histoire de ce haut lieu de la Rome antique. Les principales constructions dévoilées appartiennent à divers moments de la formation et de l’évolution de la principale résidence des empereurs. La plus ancienne est une riche demeure augustéenne, qui fut probablement intégrée au sein d’un pavillon de la Maison Dorée (Domus Aurea) sous Néron. Bientôt, à cet emplacement allait se dresser une aile du palais édifié par Domitien, transformé par Hadrien, puis réorganisé autour d’un grand temple sous les Sévères.

Une découverte insolite : la salle à manger tournante de Néron
C’est en 2009 que la mission archéologique dirigée par Françoise Villedieu découvre les vestiges d’un bâtiment identifié comme la salle à manger du palais de la Domus Aurea. Il s’agit d’une puissante tour de plan circulaire, qui à l’origine servait de support à un aménagement entièrement démantelé dans l’Antiquité. De ce dernier, il ne reste que quelques empreintes, correspondant apparemment à un mécanisme hydraulique ayant servi à assurer la rotation du plancher de la principale salle à manger de la Domus Aurea mentionnée par Suétone, historien et biographe de Néron. Cette réalisation insolite et ingénieuse permettait aux invités de l’empereur, le temps d’un banquet, de jouir d’un panorama couvrant sur 360 degrés tout le centre de Rome.
Le prestigieux Prix d’Archéologie de la Fondation Simone et Cino Del Duca, qui récompense chaque année une mission archéologique française, a été décerné en 2013 à Françoise Villedieu Villedieu (directrice de recherche émérite, CNRS-Aix-Marseille Université) et à la Mission archéologique franco-italienne « Rome, le Palatin, vestiges des résidences impériales sur la Vigna Barberini ».

La communication des résultats
Depuis la découverte à Rome, l’équipe s’est investie dans de nombreux projets de mise en valeur et de communication scientifique, dans une optique de transfert des connaissances vers un public international. À l’occasion de présentations, d’expositions ou de documentaires, la communauté scientifique et le grand public ont pu faire connaissance avec cet incroyable monument et en visualiser des propositions de restitution. Ces projets ont reçu un bel écho dans la presse et les médias.

Des films documentaires
Plusieurs films illustrent des moments successifs de la recherche. Ainsi, la restitution de l’édifice proposée dans « Une folie de Néron », produit par Paul Rambaud, pour CNRS Images, en 2013, n’est plus valable depuis que les fouilles ont livré de nouveaux éléments et modifié la perception de son architecture. En revanche, il reste d’actualité pour comprendre le système employé pour faire tourner le plancher de la salle à manger. Une nouvelle vidéo réalisée en 2022 en collaboration avec l’Université de Caen tient compte pour sa part des derniers résultats des recherches et sera prochainement mise en ligne.
Deux autres documentaires traitent des recherches en cours et des résultats : Enquêtes archéologiques La folie de Néron, présenté en 2017 sur Arte TV ; et La recherche 2016: CENATIO ROTUNDA, fabuleuse salle à manger tournante du Palais de Néron conçu et projeté dans le cadre d’une exposition organisée par le Musée d’Archéologie Méditerranéenne de Marseille (2016-2017).

Voir le film CENATIO ROTUNDA, fabuleuse salle à manger tournante du Palais de Néron :

La publication

Les résultats des trois campagnes de fouille menées en 2009, 2010 et 2014, ont été publiés dans le volume Vigna Barberini. III. La Cenatio rotunda, sous la direction de Françoise Villedieu (Rome, 2021). Cet ouvrage présente les aspects architecturaux, techniques et symboliques du monument. Il recueille l’ensemble des connaissances disponibles sur le sujet à ce jour, des documents tels que les plans des vestiges, la présentation de la stratigraphie ainsi que les hypothèses émises par les différents acteurs de la découverte.
Dans le cadre de ses Dialoghi in Curia, le Parc archéologique du Colisée a accueilli la présentation du livre en mai 2022 confiée à Manuel Royo (Université de Tours) et Domenico Palombi (Sapienza Università di Roma) , en présence de Brigitte Marin (directrice de l’École française de Rome) et de Françoise Villedieu.

Revoir la présentation (langues : italien et en français) :

L’impression 3D du monument En 2023, pour les besoins du musée Liebieghaus Skulpturensammlung de Francfort, une nouvelle maquette a été imprimée en 3D par Archeo&Arte3D Lab. Saverio Giulio Malatesta et Paolo Rosati ont coordonné le travail, supervisé par Françoise Villedieu, en collaboration avec et mené à bien grâce à la participation de Michele Camicioli, Gianmarco Maisano et Ubaldo Betocchi. Le groupe a remodelé les hypothèses avancées par l’architecte Nathalie André, en intégrant la reconstitution du mécanisme assurant la rotation du plancher élaborée par Matthieu Gabay. Une étude rigoureuse a été menée sur les technologies disponibles à l’époque et les solutions techniques et hydrauliques possibles que le défi, hier comme aujourd’hui, exigeait. Dans une confrontation stimulante et continue entre archéologie et ingénierie, la maquette imprimée en 3D a été développée et adaptée à l’échelle 1/80 du modèle et à l’objectif de communication de l’opération. Ont ainsi été mis en évidence la rotation du plancher et le jeu d’engrenages, en respectant autant que possible l’adéquation avec la réalité historique et archéologique et les besoins auxquels la salle, dans sa forme réelle, devait répondre.

À découvrir jusqu’au 10 septembre 2023 à Francfort

Voir la présentation vidéo de l’exposition (en allemand, sous-titres anglais disponibles) :

Cette opération de recherche et de valorisation archéologique, matérialisée par la réalisation du modèle 3D de la Cenatio, ouvre de nouvelles perspectives de collaboration entre l’Archeo&Arte3D Lab et l’École française de Rome. Elle s’inscrit pleinement dans le partenariat entre la Sapienza Università di Roma et l’École, récemment renouvelée dans un accord-cadre signé le 11 mai 2023.

Marie Zago avec Françoise Villedieu, École française de Rome, mai 2023.

Exposition photographique à l’EFEO, du 7 octobre à fin décembre 2022.

Ces quelques clichés font partie de la cinquantaine de photographies de l’exposition Louis Finot et le Yunnan en place en ce moment à l’EFEO. Elles sont aussi extraites de l’ouvrage Mémoires de Chine rédigé par Alain Arrault.

« Le fonds dit Finot, déposé à la mort de celui qui fut directeur de l’EFEO et directeur par intérim à plusieurs reprises, comporte 3 622 plaques de verre stéréoscopiques dont 411 clichés (sans les doublons pour 656 au total) sur le Yunnan (http://collection.efeo.fr). Il peut être daté grosso modo de 1910, la date de mise en service de la ligne de chemin fer reliant Hanoi-Lao Cai à Kunming, à 1930, la date de départ de Louis Finot de l’Asie ; des indices comme la photo de la fameuse colonne gravées d’écrits sanscrits (Fan-tseu t’a, Fanzi ta 梵字塔), signalée et photographiée dans deux publications en 1911, puis protégée d’une barrière de fer vers 1920, nous conduiraient à affiner la datation comme terminus post quem 1920 et comme terminus ante quem 1929 : une photo d’un placard public indique en effet cette dernière date.

L’ensemble a également le mérite de réunir tous les regards : exotique, les palanquins, l’opiomane, le supplice ultime et les têtes décapitées ; européocentré, le chemin de fer et ses ponts métalliques; nuancé, scènes de rue, artisans, boutiques, restaurants ; bien évidemment expert et informatif avec des monuments, des détails d’architecture, des sculptures et bas-reliefs, digne du Finot arpentant et inventoriant les monuments Chams de l’Annam, ceux du Cambodge et leurs inscriptions épigraphiques… Mais aussi des photos qui relèvent du reportage, telles que celles des habitations détruites sans doute par un typhon, que la population s’efforce de dégager. A ces regards, il faudrait ajouter la touche personnelle de Louis Finot : des prises de vue purement esthétiques, qui n’ont aucun intérêt pour le savant ou le voyageur en mal de cartes postales, mais qui représentent comme un délassement, une fantaisie ou un plaisir gratuit : à travers des portes circulaires, appelées en chinois « lunes », et à contre-jour quelques vagues silhouettes, des sculptures, des coins de bâtiments émergent dans un flot de lumière. »

Extraits de l’introduction de Mémoires de Chine rédigée par Alain Arrault.

www.efeo.fr

L’EFA a été retenue fin 2021 pour la résidence Collex-Persée “Infrastructures numériques pour le fonds d’archives et la collection des artistes Gilliéron“.

Comment décririez-vous l’objectif d’une résidence CollEx-Persée à l’EFA ?

M. Stahl : « L’appel à projet “Résidences” soutenu par le GIS Collex-Persée a été lancé pour la première fois en 2021. Il permet à un chercheur d’être accueilli dans un établissement conservant des fonds patrimoniaux, en vue de l’étude, la description et/ou la mise en valeur d’une collection spécifique. Trois objectifs principaux sont mis en avant : valoriser scientifiquement les documents considérés, offrir un « espace-temps » de travail en lien privilégié avec les professionnels de l’information (IST), ou encore favoriser la numérisation enrichie des collections. Le projet porté par l’EFA a eu l’opportunité d’être retenu pour cette première édition. Il a débuté en septembre 2021 et se poursuivra durant toute une année académique. »

C. Mitsopoulou : « Le but des résidences CollEx-Persée est d’offrir l’opportunité à un.e chercheur.euse d’investir du temps de recherche dans un fonds d’archives abrité par une bibliothèque ayant acquis le label d’excellence du GIS CollEx. Sa mission est de contribuer avec son savoir de spécialiste à la valorisation du fonds, étant encadré durant cette année par un spécialiste de l’IST, dans notre cas M. Stahl. Il s’agit alors d’organiser et approfondir notre niveau de compréhension et notre gestion d’un fonds d’archives décisif pour le domaine de l’archéologie de la Grèce, mais pas seulement. C’est un ensemble présentant un haut intérêt archivistique et scientifique, dû à sa complexité et longue durée de formation (plus d’un siècle). Il est composé de quatre grandes parties : i) le fonds d’archives proprement-dit, ii) un ensemble d’œuvres d’art graphiques, iii) une collection de copies, tirages, facsimilés d’objets archéologiques issus des fouilles en Grèce et ailleurs, et iv) l’équipement de l’atelier de trois générations d’artistes de la famille Gilliéron. Notre mission est d’avancer dans la structuration de cet ensemble, en menant des opérations documentaires comme des travaux de recherche, en vue de sa valorisation.

Quelles sont les spécificités de cette résidence ?

C. Mitsopoulou : « Le fonds fut déposé dans une institution qui est liée dès le départ à sa constitution. Une spécificité à noter est sa pluridisciplinarité : le projet Gilliéron est un programme de caractère transversal, concernant simultanément le domaine de l’archéologie (section antiquité) et l’histoire de la discipline dans le cadre de la formation et transformation de l’état grec aux 19^e/20^e siècles (section moderne et contemporaine). Il impose ainsi des approches plus flexibles qu’habituellement, une certaine « fluidité des disciplines ». Si le fonds profite du regard archéologique que nous pouvons lui vouer, il devient simultanément formateur de nos regards et nous mène vers une ouverture d’approches.

Une spécificité que je voudrais souligner davantage est le moment durant lequel ce matériel – crucial pour l’histoire de l’archéologie de la Grèce – a été rendu disponible à la recherche : contrairement à d’autres archives des institutions archéologiques, reçues depuis longue date et disposant d’une « vie archivistique » avant l’ère numérique, le fonds Gilliéron est arrivé à l’EFA récemment; le raisonnement archivistique s’est alors fait dès le départ sous des conditions optimales de l’ère numérique. Le privilège de pouvoir être accompagnée durant la résidence par une spécialiste de gestion des archives comme M. Stahl, et de pouvoir profiter de ses conseils, permet l’élaboration et la mise en place d’outils méthodologiques nécessaires afin de gérer au mieux l’ensemble. »

M. Stahl : « Le travail collaboratif mis en avant par cette résidence est un des points les plus marquants de l’appel. Le chercheur, en la personne de C. Mitsopoulou, est accueilli sur place et peut donc travailler à proximité immédiate des collections ; l’archiviste dispose en retour d’un spécialiste du sujet, pouvant identifier et recontextualiser les documents. C. Mitsopoulou apporte notamment sa connaissance encyclopédique du fonds, de ses producteurs, ainsi que du contexte historique en relation ; en tant qu’archéologue elle porte aussi un regard d’expert sur les œuvres et objets en lien avec les sciences de l’Antiquité. Pour ma part, je partage les techniques de description aux normes et standards en vigueur, je propose une mise en forme des métadonnées et un travail sur les référentiels. »

En quoi la résidence Collex-Persée vous permettra-t-elle d’avancer dans le programme de recherche « Archives Gilliéron » ?

C. Mitsopoulou : « L’opportunité offerte par cette résidence annuelle est apparue à une phase cruciale de notre processus : nous sommes à la transition entre deux programmes quinquennaux (2017-2021 et 2022-2026) et il était nécessaire d’organiser les données accumulées durant la première phase, de raisonner sur les besoins de cet ensemble complexe et de proposer les solutions qui permettront la mise en valeur des divers niveaux d’informations contenues dans le fonds. »

M. Stahl : « À mon sens, la résidence Collex-Persée offre à l’EFA l’occasion unique de concrétiser un travail commun chercheur-archiviste autour d’un fonds aussi complexe que celui de l’atelier Gilliéron, en s’inscrivant dans un temps long. Un vrai échange peut ainsi avoir lieu, un travail complémentaire, chacun partageant avec l’autre ses compétences. La complémentarité des points de vues, des méthodes de travail, bénéficie aux deux parties. Cette résidence à quatre mains est en totale adéquation avec la complexité du fonds Gilliéron. Ce fonds cédé à l’EFA, particulièrement riche et rassemblant une grande variété de pièces, est arrivé en vrac, accompagné des collections d’objets et autres outils de l’atelier. Nos deux univers dialoguent parfaitement et se complètent afin de reconstituer les dossiers documentaires et la vie de l’atelier. Plus largement, je dirais que cette collaboration au long cours est pour chacune de nous une véritable immersion dans la discipline de sa collègue ; elle aide ainsi à mieux comprendre le travail de l’autre, avoir un regard plus ouvert sur son métier. »

C. Mitsopoulou : « Et au-delà de cet accompagnement optimal de notre recherche, nous avons un privilège rare et non négligeable : la présence constante, à nos côtés, d’une troisième personne, en l’occurrence le donateur même du fonds, du descendant de la 4e génération du premier artiste, Monsieur Émile Gaston Gilliéron. Sans revenir à sa générosité et haut sentiment de responsabilité face aux besoins de la recherche, il met à notre disposition son savoir et ses souvenirs, partage la mémoire familiale et les échos d’évènements, nous assiste lors de l’identification de documents et leur attribution aux diverses générations. En fait, il est un précieux membre de notre équipe, les archives sont arrivées avec une « voix propre ». Sa présence intègre le paramètre anthropologique de l’histoire orale aux outils d’interprétation et de documentation qui se trouvent à notre disposition. »

La Casa de Velázquez a franchi un palier dans sa dynamique de diffusion en ligne en atteignant un total de 100 ouvrages publiés sur la plateforme OpenEdition Books.

Lancé en 2017, cet espace dédié à la production scientifique de l’institution couvre à la fois les nouvelles parutions et le fonds éditorial. Il met ainsi à disposition une quantité croissante d’ouvrages couvrant un large éventail de disciplines dans le champ des Sciences humaines et sociales (archéologie, histoire, littérature, géographie, sociologie, anthropologie, linguistique…) et portant sur les aires de spécialité de l’institution : péninsule Ibérique, espace atlantique et Maghreb.

Ces 100 livres en libre accès s’ajoutent aux numéros de la revue Mélanges de la Casa de Velázquez, entièrement disponibles sur les plateformes Persée et OpenEdition Journals.

Cette démarche de numérisation et d’ouverture des données de la recherche s’inscrit en réponse au Plan National pour la Science ouverte lancé en 2018 par le ministère de l’Enseignement supérieur, de la Recherche et de l’Innovation et qui « vise à construire un écosystème dans lequel la science est plus cumulative, plus fortement étayée par des données, plus transparente, plus rapide et d’accès plus universel » (cf. ouvrirlascience.fr).

Au-delà de la mise à disposition actuelle de ces contenus, cette démarche pointe certains des grands défis futurs de l’édition en Sciences humaines et sociales. Comme le précise Richard Figuier, responsable des publications de la Casa de Velázquez et de l´École française de Rome « cette question souligne un enjeu plus important : celui d’analyser les usages des nouvelles technologies pour créer des formes éditoriales nouvelles, qui devront être imaginées de concert entre informaticiens, linguistes, praticiens des SHS, historiens du livre et professionnels de l’édition. »

Parmi les derniers ouvrages publiés en accès libre : Entre l’Église et la ville – Pouvoirs et réseaux des chanoines de Barcelone (1472-1516) de Julia Conesa Soriano – La muerte de los príncipes en la Edad Media – Balance y perspectivas historiográficas de Fermín Miranda García et María Teresa López de Guereño Sanz (éds.) – Un habitat rural d’Al-Andalus (Xe-XIe SIÈCLES) Les fouilles de Las Sillas (Marcén, Huesca) de Philippe Sénac, Sébastien Gasc, Jordi Gibert Rebull et Laurent Savarese.

Matthieu Iandolino, Casa de Velázquez

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Le musée national du Cambodge (MNC), à Phnom Penh, a rouvert ses portes aux visiteurs le 8 juin dernier après deux mois de fermeture. Cependant, ils se font rares. Durant ces mois de saison des pluies, l’Atelier poursuit, dans les salles, les déplacements et les agencements d’œuvres entamés au moment de la fermeture.

Ces mouvements concernent essentiellement les salles consacrées à la statuaire de la période angkorienne, du IXe au début du XIIIe siècle. Sont en particulier réorganisés les espaces dédiés à la statuaire de Koh Ker avec la mise en place des imposants groupes sculptés du Prasat Chen (les combats de Valin et Sugriva et de Bhima contre Duryodhana), dont plusieurs statues ont été restituées au Cambodge ces dernières années.

À quelques pas du musée, au pavillon Chanchhaya, le pavillon du Palais royal dévolu à la danse, Khom Sreymom effectue des études de polychromie sur des décors architecturaux et des frises de danseuses en relief (éléments en ciment datant de sa reconstruction en 1913) situés au rez-de-chaussée.

En même temps, dans le cadre de la célébration du Centenaire du Musée, l’Atelier poursuit la réalisation d’une quarantaine de notices en trois langues et la collecte de documents, provenant en particulier du fonds photographique du MNC, qui ponctueront le parcours des collections permettant ainsi une meilleure connaissance du musée et des personnalités qui l’ont enrichi au fil du siècle.

Il peut s’agir d’éclairer un aspect du musée ou de ses diverses collections : sculptures, inscriptions, photographies ou curiosités, en prêtant attention aussi bien à la provenance, qu’aux aléas de la conservation ou aux matériaux.

Nombreux sont ceux qui apportent leurs précieuses contributions à l’élaboration, la relecture et la traduction de ces notices. Nous reproduisons ici à titre d’exemple la notice qui s’intéresse à un couple de statues très populaire au Cambodge :

Rapportées au musée en 1923 par George Groslier, ces deux statues alors sans tête, proviennent du Prasat Neang Khmau, « Le temple de la jeune femme noire », un temple du Xe siècle dont deux tours en briques se dressent encore dans l’enceinte du Vat Borannivés à 4 km à l’ouest du Phnom Chisor.

La légende raconte qu’autrefois une très belle princesse appelée Neang Khmau originaire du Phnom Chisor, fut reniée par son père après être tombée sous le charme d’un jeune homme qui la séduisit par le chant qu’il tirait d’une feuille. Condamnée à vivre recluse dans un temple situé dans la plaine sur ordre de son père, elle finit par oublier son premier amour et s’éprit d’un bonze qui se défroqua pour elle et l’épousa. C’est ainsi que le temple prit son nom.

La statue féminine encore sise dans la tour nord avant son transfert au musée incarnait vraisemblablement la princesse. Le lustre du torse témoigne de la vénération dont elle est toujours l’objet.

En 1995, lors de la reconstruction du vihear (temple) au sud, à proximité de l’emplacement d’une troisième tour complètement disparue, une tête de cheval en grès a été retrouvée par la communauté monastique. Elle fut confiée au Premier ministre Samdech Akkeakmohasenapadei Decho Hun Sen, qui la remit au musée en 1996.

Ce n’est que quatre ans plus tard que l’on découvrit que cette tête de cheval appartenait à la statue masculine. En l’absence d’attribut, il est difficile de savoir lequel des deux avatars de Viṣṇu à tête de cheval est ici représenté : Hayagrīva, le sauveteur des Vedas ou Kalkin, le sauveur de l’avenir. Cependant, l’épigraphie du pays khmer évoque souvent le premier alors que le second n’apparaît pas, il devrait donc s’agir d’une représentation de Viṣṇu sous les traits de Hayagrīva.

Les inscriptions conservées sur les piédroits des deux tours restantes laissent penser qu’une représentation de Viṣṇu Trivikrama, « Viṣṇu reconquérant les trois mondes – ciel, terre et enfer – en trois enjambées », était installée dans la tour centrale tandis que Hayagrīva était placé dans la tour sud et Lakṣmī – « la jeune dame noire » – dans le nord.

À l’issue de la restauration des tours en 2019, des moulages des deux statues ont été installés dans chacune d’elle.

Bertrand Porte, École française d’Extrême-Orient

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La Casa de Velázquez a pour particularité, au sein du réseau des Écoles françaises à l’étranger, d’accueillir conjointement chercheurs et artistes à travers ses deux composantes : l’École des hautes études hispaniques et ibériques et l’Académie de France à Madrid.

Cette double mission – constitutive de la Casa de Velázquez depuis sa fondation en 1920 – permet à l’institution de proposer une programmation enrichie du souffle de la création artistique. Chaque année, une trentaine d’artistes internationaux sont accueillis en résidence à Madrid pour développer leurs projets et les résultats de leur travail sont donnés à voir au travers d’un programme varié d’expositions, de concerts, de projections et de rencontres diverses.

Parmi ces événements, le festival ¡ Viva Villa ! est devenu au fil des ans un rendez-vous majeur, tant par sa forme que par le nombre d’artistes qu’il réunit. Coorganisé depuis 2016 avec la Villa Kujoyama et la Villa Médicis, ce festival des résidences d’artistes unique en son genre met chaque année à l’honneur plus de cinquante artistes avec une ambition double : restituer en France les travaux développés à Madrid, Kyoto et Rome, tout en offrant aux artistes la possibilité d’une plateforme générationnelle et professionnelle marquant le premier pas d’une stratégie de post-résidence.

C’est aussi le lieu d’une réflexion globale où l’intérêt des résidences à l’étranger, l’expérience immersive de la résidence, les réalités et les enjeux de la création artistique contemporaine sont décrits et questionnés avec les artistes, les professionnels de l’art et le public.

Pour sa 5ème édition, ¡ Viva Villa ! prend place, comme en 2019, à la Collection Lambert en Avignon. Nouveauté de cette année : l’exposition, au centre du programme, se déploiera durant trois mois, du 24 octobre au 10 janvier.

Sa thématique, les vies minuscules, inspirée par le titre du roman de Pierre Michon (© Éditions Gallimard), place la focale à hauteur d’homme, sous l’égide de l’humain et de l’animal, de l’individu et des foules anonymes, de l’espèce et du biographique, des flux migratoires et de l’intime. Comme le précise Cécile Debray, commissaire qui accompagne le festival depuis sa création, « préparé en pleine pandémie et adossé à cette thématique réaliste et humaniste, ¡ Viva Villa ! a pris une tonalité plus aigüe, plus sensible. Les artistes et résidents, au sein de leurs ateliers, confinés, ont parfois infléchi leurs travaux, réagi à la situation exceptionnelle, à l’inquiétante étrangeté de ce temps suspendu par des œuvres, des journaux de confinement, des recherches historiques sur d’autres épisodes d’épidémie – la peste, le choléra… »

Autour de l’exposition, un programme de performances, rencontres, cycles de cinéma et concert viendront également mettre à l’honneur la diversité des 21 disciplines représentées durant l’édition. Une effervescence rendue possible grâce à un tissu de partenaires dont font notamment partie la Région Sud, l’Académie des beaux-arts et la Semaine d’Art en Avignon. Cette 5e édition s’inscrit également dans la programmation de Manifesta 13, Les Parallèles du Sud.

Bien que remodelé pour répondre aux consignes sanitaires en vigueur et même si le festival a du adapter sa forme et son contenu pour faire face aux incertitudes inhérentes à la crise sanitaire, tout est mis en œuvre pour que ce grand rendez-vous annuel se déroule dans les meilleures conditions possibles afin d’assurer la découverte du travail des artistes issus des promotions 2019-2020 des trois résidences organisatrices.

Information et programme complet sur : vivavilla.info

Matthieu Iandolino, Casa de Velázquez

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L’École française d’Athènes conserve les documents produits et reçus dans le cadre de ses activités administratives et scientifiques depuis sa création en 1846. Dès ses débuts, une attention particulière a été portée par le personnel de l’école au classement et à la description des documents, ainsi qu’à leur préservation. Cet effort au long cours permet aujourd’hui de proposer à la consultation du public un fonds particulièrement riche, tant par le volume des collections que la variété des supports, mais aussi par l’histoire, petite ou grande, que ces archives offrent à explorer.

Les fonds de l’EFA représentent actuellement près de 260 mètres linéaires de documents, plus de 700 000 clichés et 60 000 documents graphiques, physiques ou numériques, auxquels viennent s’ajouter une série d’environ 8 000 estampages d’inscriptions et une collection d’objets.

Ces fonds et collections sont précieux à plus d’un titre.

Ceux-ci renseignent en premier lieu sur les activités scientifiques des missions accueillies par l’EFA. Près de 175 années de fouilles et études archéologiques y sont répertoriées, mais aussi, plus récemment, les archives de la recherche en sciences humaines et sociales des périodes moderne et contemporaine. Les documents donnent accès aux informations à toutes les étapes de la mission, des données brutes acquises sur le terrain (clichés, carnets, relevés, etc.), en passant par leur analyse (bases de données, tableurs, etc.), jusqu’à la restitution des résultats (rapports, SIG, publications, etc.). Preuves attestant d’un contexte souvent aujourd’hui disparu, la conservation de ces archives autorise aussi une revisite ultérieure des données lors d’une étude parallèle ou complémentaire.

Plus largement, la consultation des archives administratives de l’EFA complète celle des archives des missions, et relate l’histoire d’une institution. Tous ces documents retracent la vie quotidienne dans les bâtiments et sur les chantiers, le développement de l’école, ses liens avec le pays d’accueil, et la place qu’elle tient aujourd’hui dans la recherche autour du bassin méditerranéen et au-delà.

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Transcription du texte ci-dessus :

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Enfin, ces collections renseignent sur l’histoire des disciplines exercées au sein de l’école. Les objets conservés témoignent de l’évolution des techniques d’acquisition des données ; les archives en relation documentent et illustrent les méthodes utilisées au fil des ans et dévoilent en filigrane la démarche adoptée par le chercheur.

Afin d’assurer cette mission de service public, le service des archives de l’EFA collecte, classe, conserve, numérise et communique ces fonds. La collaboration active des équipes de recherche, qui versent régulièrement les archives de leurs missions au service des archives, rend possible la mise à disposition, l’exploitation et la valorisation de ces données selon les différentes pistes évoquées précédemment.

En savoir plus :

L’EFA édite une collection « Patrimoine photographique » mettant à l’honneur les archives de l’école.

Arthur Muller, Dominique Mulliez et Catherine Aubert, 1911 – 2011 : cent ans de fouilles françaises à Thasos, Athènes, EFA et Olkos, Patrimoine photographique 1, 2012.

Michel Sève, 1914 – 2014 Philippes : 100 ans de recherches françaises, Athènes, EFA et Melissa Publishing House, Patrimoine photographique 2, 2014.

Jean-Charles Moretti, 1873 – 1913 Délos : images d’une ville antique révélée par la fouille, Athènes, EFA et Melissa Publishing Housse, Patrimoine photographique 3, 2017.

Marie Stahl, École française d’Athènes

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L’imprimerie de l’Ifao a été créée en 1898 et s’est installée dans l’enceinte du Palais Mounira en 1907.

Sa création répondait à un besoin de la communauté scientifique de disposer d’une imprimerie capable de créer et de composer de nouveaux hiéroglyphes.

Le Catalogue de la fonte hiéroglyphique de l’Ifao recense ainsi plus de 8000 caractères hiéroglyphiques, spécialement conçus pour les publications de l’Ifao. Dès le début du XX^e siècle, l’imprimerie a ainsi pu réaliser une série importante d’ouvrages sur les temples ptolémaïques étudiés par l’Ifao dont Dendara, Esna et Edfou. 

Connue des orientalistes dès sa création, l’imprimerie pouvait composer des langues rares comme le copte memphitique, le copte thébain, l’éthiopien, l’hébreu, le ninivite, le syriaque.

Au cours de ses 120 ans d’existence, l’imprimerie s’est transformée en suivant l’évolution des techniques d’impression : l’impression au plomb a été délaissée en 1992 au profit de l’impression offset. Puis en 2011 et 2014, l’Ifao investit dans des presses numériques qui représentent désormais 90% des impressions. 

Un petit conservatoire, créé en 2011, présente les machines et les techniques liées à l’impression au plomb : monotype, casses de hiéroglyphes, fondeuses de caractères, presses typographiques manuelles du début du XX^e siècle, massicot en bois…

Ce musée constitue une vitrine patrimoniale pour l’Ifao que nous vous proposons de visiter ici :

Mathieu Gousse, Institut français d’archéologie orientale

www.ifao.egnet.net

Photographies : J. Ballu

Exposition photographique à l’EFEO, du 10 février à fin mai 2020.

Clichés de Xavier Nory, reportage réalisé dans le village de Krakal, vallée de Bumburet (Pakistan) en janvier 1986 puis de septembre 1987 à janvier 1988 et de mai à septembre 1988.

Les Kalash, la dernière ethnie animiste (environ 3 500 en 1988) du Pakistan, vivent dans trois petites vallées d’altitude Bumburet, Rumbur et Birir, situées au Nord du pays, à une trentaine de kilomètres de la frontière afghane.

Polythéistes, les dieux et déesses Khodaï, Balumain, Jestak … et les esprits de la nature accompagnent leur vie quotidienne menée en quasi-autarcie. Le maïs est la principale culture, un peu de blé poussent dans les champs les plus bas des vallées. Ils élèvent boucs, chèvres et moutons qui sont sacrifiés et consommés pour les fêtes. Le fromage est essentiel à leur alimentation – celui de chèvres est principalement réservé à la fête du retour du printemps Joshi. Noix et mures sauvages abondent et complètent cette alimentation frugale.  Quelques pieds de vigne leur permettent de fabriquer du vin pour la fête du solstice d’hiver Chaumos mais sous la pression de l’Islam, la religion dominante, les sarments sont arrachés.

Les Kalash sont les seuls à pratiquer le gal, mi-golf mi- cricket, bien plus qu’un sport, il est un important lien social. C’est l’occasion pour les villages d’une même vallée de se rencontrer pendant la période hivernale car il se pratique exclusivement sur les champs enneigés. Chaque village a son équipe qui le représente, les deux protagonistes d’une rencontre sont tirées au sort. Le terrain de la compétition relie les deux villages à travers champs (du plus bas en altitude au plus haut et retour). Les joueurs de chaque équipe se déploient le long du trajet et se relayent pour faire circuler leur balle, avec l’interdiction de la toucher à la main. La compétition dure longtemps et peut se prolonger d’une année sur l’autre.

Xavier Nory a été très tôt initié à la photographie par son père qui lui en a appris tous les rudiments. Pour son ami d’enfance Hypo « Xavier est un photographe minutieux aux confins de l’obsession de la justesse de ce que doit dire l’image par elle-même, privilégiant  une lumière diffuse enveloppant la scène qui adoucit les ombres portées et éclaire le détail choisi ».

Parallèlement à son travail personnel, Xavier Nory seconda pour plusieurs campagnes publicitaires le photographe Jean Larivière. Sa seconde passion les voyages l’amène à découvrir, le Groenland, les chutes d’Ecom au Cameroun, les volcans Islandais, les montagnes sacrées des Huangshan en Chine, la Birmanie, l’Inde…jusqu’à ces 10 mois dans cet énigmatique pays Kalash au Pakistan dont cette exposition photographique témoigne.

Isabelle Poujol, École française d’Extrême-Orient

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À partir du 1^er février 2020, Rijeka sera Capitale Européenne de la Culture, aux côtés de Galway en Irlande. Cette ancienne ville balnéaire de l’empire austro-hongrois est aujourd’hui la troisième ville de Croatie avec 150 000 habitants. Son port dominant la baie du Kvar est le plus grand du pays.

Inaugurée le 9 octobre dernier à l’École française de Rome en présence de Jasen Mesić, ambassadeur de Croatie en Italie, une exposition photographique retrace la riche histoire de cette la ville portuaire au cours de l’époque romaine en présentant les découvertes archéologiques majeures intervenues au cours du XX^e siècle. Palma Karković Takalić (Université de Rijeka) a introduit l’événement avec une conférence faisant état des connaissances sur l’antique Tarsatica et l’évolution de l’archéologie urbaine : « Tarsatica romana. Ricerca, tutela e valorizzazione del patrimonio archeologico tra passato e presente ».

Ce projet est le résultat d’un programme de recherches scientifiques « SREBAK – Medieval Heritage of Kvarner region », mené par le département d’histoire de l’art de la faculté de sciences humaines et sociales de Rijeka, sous la direction de Marina Vicelja-Matijašić (professeur d’art antique et médiéval), de Palma Karković Takalić et de Petra Predoević Zadković (chercheuses en histoire de l’art).

Outre l’université de Rijeka, de nombreuses institutions ont collaboré à la préparation de l’exposition : l’Ambassade de Croatie en Italie, le Musée maritime et historique du littoral croate, la ville de Rijeka, la Surintendance pour la conservation des biens culturels de Rijeka, l’Institut croate pour la restauration, les Archives d’État de Rijeka, la Bibliothèque universitaire de Rijeka, la Società di Studi Fiumani de Rome.

L’exposition présente dix-sept des plus importants sites archéologiques de la vieille ville de Rijeka et ses environs, fouillés entre 1914 et 2014, ainsi que les principaux acteurs de leur étude. Sont ainsi citées les découvertes de l’historien Giovanni Kobler à la fin du XIX^e siècle ; les recherches de l’archéologue italien Mario Mirabella Roberti dans la nécropole romaine ; ou encore les contributions de Radmila Matejčić, Jaro et Ana Šašel et Mate Suic, membres du « Limes comittee », pour la mise au jour et la conservation du système défensif des Claustra Alpium Iuliarum ; le rôle du maire Riccardo Gigante jusqu’aux recherches plus contemporaines ayant conduit à la découverte de mosaïques romaines sur la place du Dôme de Rijeka.

Sur les 24 panneaux présentés, de nombreuses photographies, cartes, plans et dessins illustrent un siècle de recherches archéologiques dans la ville croate. Ces études révèlent la présence d’une communauté prospère dans l’antique Tarsatica,  située à l’embouchure du fleuve au I^er s. ap. J.-C. La ville connut un essor particulier durant l’Antiquité tardive car elle constituait alors le port d’approvisionnement des Claustra Alpium Iuliarum dont on conserve les principia (secteur du commandement) et les « grands thermes » remontant au III^e s. ap. J.-C., les enceintes datées du IV^e siècle ap. J.-C. et une basilique paléochrétienne.

L’exposition est visible à Rome jusqu’au 9 novembre 2019, avant de faire étape dans d’autres villes italiennes, en particulier Trieste.

Cette première exposition est aussi l’occasion d’inaugurer une nouvelle saison pour la galerie de l’École ouverte sur la place Navone, dans le cœur historique de la ville de Rome.

Marie Zago, École française de Rome

www.efrome.it

Photographies : Camilla Possenti